Interview with Marcus McDonald from the legendary Psych/Space Rock album "From The House Of Trax"

Louis Hauguel: Thank you for accepting this interview, it's a great pleasure to have you here for Fuzzine! So to start, could you tell us about your musical journey, when did you start playing music?

Marcus McDonald: Let me start by saying I am very flattered to do this interview and thank you for your interest in my path on this old rock.

My parents gave me a set of drums when I was 13 and that lasted about 2 weeks and they took them away from me… I guess it was pretty annoying to listen to a kid banging on them all day and not really having a clue as to how to really play them. They had given a guitar to my older sister who never played it and it just sat in the closet so she gave it to me. So by that time I was around 14 and started playing music well I guess it was music but mostly I just banged around on it until it sounded good to me. I carried it around with me nearly everywhere I went.

2/ We will talk about "From The House of Trax" of course but before, could you tell us a bit more about your influences?

The first cover tune I learned to play was Led Zeppelin’s Stairway to Heaven; you know a little Led for the head. Second tune I learned was Deep Purple’s Smoke on the Water; after that I just started making my own music. That way nobody knew if I was doing it wrong. To answer your question better I must say that my influences were varied from bands like The Moody Blues, Pink Floyd, The Beatles, Stevie Ray Vaughan, The Rolling Stones and a host of others.

3/ "From the House of Trax" is a very unique record with lot of psychedelic effects and sounds like nothing else. How went the recording process of that album, what motivated you in exploring such atmospheres back in 1978?

I met Jim Fergusson who owned and operated The House of Trax Studio and when he heard me play he offered to record my music for free so I could not pass that up. It turned out that he was and is a Masterful Genius when it comes to audio engineering and my music would have never turned out like it is without him.

4/ Did you expect after all those years that your album would turn into a psych masterpiece highly sought after by collectors?

Funny thing about that… Jim Fergusson said that my music was 10 years ahead of its time and may take a while to catch on and sure enough I could not sell copies for place mats and some of my friends used them for Frisbee's just to see how far they could toss them. Almost ten years to the day a guy in New York called me up and said he found one in a used bookstore for 2 dollars and loved it and asked if I had any for sale. Well yes I said I have a few but actually I had a lot but anyway he offered me 300 dollars each for 10 of them and I was astounded and said sure I will sell them to you. The man drove from New York to New Albany Indiana and met with me and paid me 3000 dollars for 10 records. I have seen this sell for as much as $1.200 at an auction in Germany and I have sold some to places all over the world from California to Japan and many countries in between Like Greece, England, France, Germany, Australia and many others. The short answer to this question as to did I see this coming? No I did not but am very pleased that people from around the world still likes it.

5/ What are your thoughts on the music industry of nowadays?

Well to each his own I say… There is no music anymore that moves me like it did in the 70s and I guess that era has passed sad to say but thanks to the modern technology we are able to preserve that music to enjoy and reminisce with today. I am a bit surprised with country music today it seems it is not country at all anymore it is all starting to sound like rock music and I must say I like the change.

6/ Do you have any interests in the occult, unknown secrets and mysteries in this world?

The world is full of secrets and mysteries that level the playing field of life and death and the reins of power and control are often being slacked and taught. But I will not be divulging any antithoughtical information today. Don’t bother looking up antithoughtical because I just made that up.

7/ Do you have any plans concerning some new releases in the spirit of "From the House of Trax" ?

Yes I do and I have a few new pieces of music nobody has heard yet and working on a few more.

8/ Would you consider touring and playing "From the House of Trax" in its entirety along with other compositions?

I would absolutely love to do that if it came to pass as a possibility.

9/ I read that you were also releasing a movie, could you tell us more about that other project, how things are going?

Ah yes my new movie… Chain of Events {The Movie} Well it is not at all what you would probably expect from me but I made it to get my foot in the door. It’s a Romantic Comedy that took me 2 years to make and it is finished. I just submitted it to the Sundance Film Festival and hope something good comes from that. It was a lot of fun and I had the privilege to work with some very talented actors. Now that being said if we make any real money from this or not my next project will be the complete opposite of a romantic comedy and should be inspiring and downright frightening. I got to give a fair shake to the other side.

10/ I always submit that question, which is the desert island one haha... Tell me about one album, one book, one movie you would take there with you ? 

Pink Floyd; Dark Side of the Moon, My next Movie and The Bible.

11/ Would you like to share anything else with us, thoughts, whatever coming to your mind right now...?

I was kind of wondering why French Fries and French Toast have nothing to do with France and if we want peace in the middle east and the rest of the world why don’t we just have a one world order and have the whole world take a vote for just one good king.

Thanks for letting me voice my thoughts and memories into your world, Marcus


Louis Hauguel for Fuzzine (2014)

Interview with Paul Dean, bassist of the 70's heavy psych bands Jerusalem, Pussy.

Il y a de ces groupes qui vous déversent des riffs assommant, des coups de matraques frénétiques à la tête. Jerusalem en fait clairement parti. C'est un peu l'effet d'une baraque remplie de dynamite qui vous explose soudainement à la tronche. Et si ce n'était que les riffs. La batterie vous prends et vous retourne comme une crêpe. La voix déchirante de Lynden Williams nous plonge tour à tour dans l'hystérie et puis l'angoisse, nous envoie dans des dimensions démentes faites de chauves-souris de l'enfer ou d'innommables créatures pré-humaines. Peu importe. C'est tout le groupe qui vous maintient la gorge et vous lance l'équivalent d'une damnation éternelle dans la gueule. Il y a une grande urgence, pas de complexes, on y va brute de décoffrage et peu importe le nombre de têtes qui tombent au passage. Une pochette étrange, torturée qui vous invite au pays du délire cauchemardesque et autres tortures mentales.

Louis Hauguel : Hi Paul and thanks for accepting that interview, so here we are, how did the band get together ? What's the story behind the name "Jerusalem " ?

Paul Dean : At the age of 15 when we were at school, Ray Sparrow, Chris (Kef) Schelcher and I went to see John Mayall and the Bluesbreakers. We were so blown away by this electric 12 bar blues that the next day we decided to start a band. None of us could play an instrument, so we were starting from zero. I chose bass and vocals, Ray drums and Kef guitar. I also wrote the songs and in actual fact at no time in the history of Jerusalem or Pussy did we ever do a cover. So it began. Later on we pulled in Bill Hinde a friend from when I went to College. As we became more serious Kef decided to concentrate on his education, so we pulled in Bob Cooke, another friend from College. Then came another friend Phil Goddard on vocals as I wanted to concentrate on the writing and bass. As we became more professional Phil decided to leave and we held auditions in London for a singer and chose Lynden. By this time Ian Gillan had signed us up along with my sister Zoe and then came the album.

The name Jerusalem came because it was the only piece of music I liked at school assembly (very powerful classical piece). We actually played a few bars of it in a rock format at the beginning of our shows. The other reason was that you should always choose a very strong name that people can connect with easily. There was absolutely no religious reason for this choice, it was just a word that everyone in the World knew. Jerusalem has always been a headline city for thousands of years for many different reasons. Strong, powerful and birthplace of ideas, beliefs, confrontation, a centre of innovation and change, a melting pot for all races, not all good, but neither is life...

2/ The 70's just started, psychedelic rock evolved into a more raw and progressive music. How was the process of creation of your unique album and how did you meet Ian Gillan from Deep Purple ?

Ian was a friend of my sisters from his days in Episode 6. She met him again at a Deep Purple concert as Black Night hit number one. Anyway, she brought him back to my mother’s house and so our relationship began, more like brothers at times, did a lot of stuff together away from music. What was funny was when he walked in the house I was playing the first Black Sabbath album, he asked who it was because he liked it, little knowing that a few years later he would join them for a short time. Deep Purple’s managers were also interested in Jerusalem, but Ian decided he wanted us.

The late 60’s blues boom gave birth to Rock (Cream, Hendrix) then Zeppelin, Deep Purple and Black Sabbath etc. The bands then started progressing in all kinds of directions and some becoming more sophisticated and technical - Yes, Genesis etc. To be honest we didn’t have any major influences, Ray and I just liked it heavy and raw, no rules, and if it sounded good to us we did it. People either loved us or hated us. It’s funny to think now that what we were doing then would become huge within a few years as Metal, Doom, Stoner etc. took off. One of the strangest questions I was ever asked by a journalist was ‘You were obviously very influenced by Metallica’. He had obviously not done his research as we were doing it 5 years before Metallica. Think this is why Jerusalem has now become so popular, as younger people are searching back to see where everything started. At least we have the last laugh on all the journalists who slammed us at the time. I was the main writer and Ray and I made all the final decisions about everything, so Jerusalem was pretty much our baby and what we wanted.

3/ The album is terrific in terms of energy, very raw and heavy as well as the vocals that sounds sometimes like screams from the beyond. So I was wondering, how was it on the stage ? Did you have the impression of blowing away people with some music that they were maybe not used to yet ? Like "wow, this is mind blowing!"

On stage in the early days there were people that walked out and people that stayed. It was real love/hate. Over time we began to build a following and the word spread, so eventually most people stayed and a few who were there by accident raced out the door. As I said before, Ray and I liked it raw and heavy and as Ian said on the album almost crude. The ‘screams’ is actually an interesting story. Lynden was basically chosen for his showmanship. Once we had practised a few times I realised most of our songs were in the wrong key for him. But I really liked the sound of him stretching and straining. I had a word with Ian and we both agreed it was a good sound, so we didn’t change the keys. It was quite punishing for Lynden in the studio, but gave us something a bit different. On stage anything could happen especially when I wound Lynden up a bit. It all added to the meaning of some of the songs and kept the audience on their toes. We had some amazing followers who would turn up all over the UK. Probably the biggest ‘mind blowing’ episode were two huge festivals we did in Austria and Germany (50,000 in Germany). We were virtually the only unknown band on the bill. Deep Purple, Black Sabbath, Rod Stewart…

 Anyway, when we came on stage many people started wandering out for a drink, food or the toilet. Then much to our amazement once we hit the first 30 seconds of our opening number (think it was Frustration) everyone turned around and ran back in to watch us. Ian Hansford Deep Purples Road Manager who was also mixing for us said it was one of the strangest things he had ever seen. They even showed it on Austrian TV news.

 4/ Let's talk about your influences and the band's influences, what were the bands that inspired you to create your very own sound ? Was it difficult to have everybody playing in the same musical direction ? Was there other influences than music itself ?

As I said earlier, we really didn’t have any strong influences. I did most of the writing. Ray and I’s taste in listening music was extremely varied, but similar, we just liked Rock for our band. The heavier the better. That’s why my favourite is still ‘Primitive Man’. Eventually, yes it did become a problem keeping our direction, which is why Ray and I decided to end the band. Lynden and Bill wanted to go a different way and Bob was stuck in the middle. Talked it through with Ian and he agreed. Once you have achieved your aim maybe time to move on. Ray and I could have changed the personnel and continued as Jerusalem, but that was not an option as in Jerusalem we had created a unique sound, so whatever we did next should be a totally new concept. Thus was born Pussy. Other influences were the usual ones, growing up, new experiences, disillusionment with the way the World was going and to an extent the music business. It was slowly being taken over by lawyers and accountants and most had little knowledge of music itself. We were lucky that when we were signed there were still a number of ex-musicians in the Record companies. If not for them, Beatles, Stones, Hendrix, Cream etc. would never have had the opportunity to change the face of music. Pussy in a way was a piss take of the way the business was going, so we just chose not to follow the rules of the ‘new era’ which was fun. The music was still serious, but we wouldn’t compromise and become what others wanted us to become.

5/ What do you remember about the "Pussy" times ? What kind of inspirations were you having during that period of time ?

I’ve pretty much covered this in the previous question. Because of our attitude which was endorsed by Ian, it became very difficult to get a deal. Ian pulled out of our deal with Deram (Decca) after the ‘Feline Woman’ single because Sam Hamilton who had signed Jerusalem and Pussy to Deram had left the Company and the new guys in were looking for their own signings. Pussy actually recorded a whole album, but it wasn’t released (this is often wrongly mentioned as a second Jerusalem album). Eventually we stopped Pussy. Then in the mid seventies Ian became a tax exile in Paris for a year or so. During this time music in France was going a different way and Ian thought it may be worth trying to sell Pussy there. As it turned out Ariola France wanted the album. Bob no longer wanted to be involved, so we pulled in another young American guitarist Brian Goff, who was a good friend of Ritchie Blackmore. We decided to redo all Bobs guitarwork on the original tracks and I also wrote some new songs. Unfortunately, Europe then went into recession and everything fell apart. By the way, Brian now lives in France. After all these years the Pussy album has recently been released by Rockadrome Records on CD for the first time ever following the successful release of the remastered reissued Jerusalem album on CD and vinyl, also Rockadrome. So, thank you France, for without the interest of Ariola France, this album would never have been made in its final form.

6/ How did the whole thing happen, what motivated you to go for that ?

I had been out of touch with the music scene in Europe and the USA for a number of years and had been living in Southern Africa, South America and the Caribbean. I eventually ended up in the Philippines and about 4 years ago I got an email from Rockadrome asking if I knew what a big cult following Jerusalem had. I then did some research and realised it was true. Universal had even rereleased the original album in 2004 in Japan. So we decided to remaster and reissue the album with a few extra’s. First on CD and then last year on vinyl. Because of the reaction it was then decided to also remaster and release the Pussy album. The most amazing thing is the number of young people, who have now got into both bands. Makes the whole thing very worthwhile. So sincere thanks to Rockadrome and also a Finnish guy Aki, who put up a fan site for Jerusalem on Myspace a few years ago, which also helped to kickstart the whole thing.

7/ These days, a lot of new bands are appearing, very influenced by late 60's psych and 70's prog rock. So I want to ask you, what are you listening to nowadays ? Do you have some feedbacks from a generation like mine ( I'm 25 ) that come to you to talk about Jerusalem or globally speaking about the two periods of time mentioned before ?

To be honest, I’m still pretty hooked into the old stuff even though I actually do some Producing. Have done a few albums in the Philippines with local bands (lots of talent here), so I am close to what’s going on these days. I don’t mean this in a detrimental way, as there is some good stuff around now, but I find much of the music now is a kind of reinvention of past genres. Have fun sometimes with some bands, playing stuff from 30 – 40 years ago to show them what they thought was new, is actually the rebirth of something old. Think this is born out by the number of bands from the 60’s, 70’s & 80’s who are back on the road and playing to all ages.

8/ What are your current projects, whatever they are musical or not ?

Mainly Producing, even long distance. People send me through the tracks after discussions about the way they should record songs and I mix and Produce them here. Once music is in your blood it stays there. Wherever I have lived I have tried to help others. I was very lucky and in the right place at the right time, so try to give something back whenever I can.

Have done many different things in my life, so never know what’s going to happen tomorrow. Have written many articles about all kinds of subjects, special extrain a few movies, played golf professionally and coached others…

9/ Those lines are yours, do you have a last thing to add for our readers ?

Just a couple of things for audiences and artists

To get up on stage and play music takes a lot of nerve and hardwork. If you’re in the audience show a little bit of appreciation, even if you’re not into the music. They’re doing something maybe you would like to do, but don’t have the nerve or talent to try.

If you’re an artist who wants to succeed, it’s bloody hardwork, believe me. Bands from my era used to practice for hours everyday if they weren’t playing live. When you get on stage all you should be doing is trying to communicate with the audience. You should know the songs back to front and upside down. In a studio every person should be able to play a song all the way through by themselves, if not, you don’t know the song well enough and are wasting money on your recording. Recording isn’t cheap! You have to believe in everything you do, if you don’t why should anyone else? The main key to success is to be different, if you’re too influenced by your influences you may as well be a cover band or stay at home and play to yourself. There is no such thing as bad music, if one other person likes it, then it’s good. Stay true to your beliefs and others will start to believe. All the best to all of you.

Cheers, Paul.

Louis Hauguel for Fuzzine. (2013)

Interview avec Bernard Blanc aka B.B. Brutus, batteur du groupe Ergo Sum

Louis Hauguel : Tout d’abord, merci d’avoir accepté cette interview. Comment a débuté l’aventure Ergo Sum, et comment vous êtes-vous rencontrés ?

B.B. Brutus : C’est tout simple. Certains musiciens de Lemon Pie, groupe d’Aix-en-Provence voulaient faire une autre musique. Donc ils cherchaient à rencontrer d’autres musiciens, même si leur choix musical n’était pas vraiment défini. J’avais fait partie d’un groupe, à Aix-en-Provence, durant les années 1966/1968, les What’s. J’avais gardé des contacts et c’est comme cela que j’ai fait leur rencontre. C’était à l’été 1970. J’étais avec le groupe Barricade, de Marseille (festivals de Biot-Valbonne). Ils me disaient qu’ils cherchaient des musiciens pour démarrer une formation. Je suis resté quelques jours en leur compagnie pour apprendre à les connaître, puis on s’est réunis dans une ferme pour jouer. D’autres musiciens étaient là ; en fait, il s’agissait de savoir si je faisais l’affaire ! On a ensuite cherché un lieu pour répéter ; pour habiter aussi, car sur les quatre qui étaient d’accord pour démarrer, il n’y en avait qu’un qui habitait la région — chez sa famille ! On a d’abord trouvé un garage, puis une toute petite maison, à quelques kilomètres d’Aix, à Gréasque, chemin de la fontaine des Dieux. On s’est donc installé là ; on a débuté à quatre, car le guitariste n’était pas trop chaud ! Quelques mois plus tard, après des jours et des nuits de travail, nous avions un répertoire d’une vingtaine de morceaux. On fait quelques bœufs avec des amis de passage, et le guitariste qui n’était pas très chaud est venu nous voir. On lui a montré nos morceaux, ça l’a emballé, et on s’est retrouvés fin prêts ; ils nous manquait seulement du matos. On avait un peu d’argent. On a acheté un camion d’occase, et on est partis pour l’Angleterre... le pays des Beatles, des Stones ! J’y croyais pas ! On a fait tous les magasins. Le chanteur a acheté la Gibson blanche (gravée), avec sa caisse, du groupe East of Eden. Moi, j’ai trouvé la cymbale qui m’a servi de gong sur le morceau Tijuana ! On a aussi acheté une sono WEN, des têtes d’amplis Orange, et d’autres accessoires encore. Ensuite, on est allé à un concert de Family. De retour, on s’est arrêtés à Saint-Étienne pour voir une amie et on a fait la connaissance du violoniste. Il était libre et on l’a emmené avec nous à Gréasque. On a repris alors les morceaux avec lui et c’est comme ça que Ergo Sum a démarré.

Louis : Quelles sont les grosses influences du groupe ? Quels sont les éléments qui ont contribués au son bien spécifique de votre album ?

B.B. : L’influence mutuelle, c’était les années 50 : le rockabilly. Ça, c’est sûr ! Des gars comme Elvis Presley, Eddie Cochran, Gene Vincent par exemple. En ce qui me concerne, à 10 ans, je participais à des concours de chant. J’avais comme pseudo Johnny-guitare, je chantais Tutti Fruttii en yaourt, et j’étais accompagné par Les Bretelles Rock ! Comme tous les jeunes, chacun a joué avec des groupes dont l’influence était le blues-rock anglais : les Rolling Stones, John Mayall, Eric Clapton, les Animals, les Yardbirds, j’en passe. Avec Ergo Sum, hormis le rock ’n’ roll, on écoutait du jazz, des musiciens comme John Coltrane, Miles Davis, Tony Williams, Wayne Shorter, mais aussi les Doors, Jimi Hendrix, Jethro Tull, King Crimson, Rory Gallagher. C’était une période riche, ouverte, variée : on voyageait musicalement ; quand on allait chez des amis, on écoutait des musiques différentes, on faisait des bœufs avec des musiciens de rencontre. Les énergies étaient différentes, ça donnait envie de jouer. Le guitariste adorait Alvin Lee (NDLR : le guitariste de Ten Years After) et son morceau favori était I’m Going Home. Le chanteur aimait beaucoup le jazz et la musique mexicaine.

Louis : Comment s’est passé l’enregistrement de Mexico au Château d’Hérouville ? As-tu quelques petites anecdotes à nous livrer ?

B.B. : On a enregistré en plusieurs fois. La première fois, c’était en août 1971. On est arrivés de nuit en camion, avec le matériel. Il était tard et on ne voulait déranger personne, alors on s’est garés dans une petite forêt, pas loin du Château. Le matin, on était malades à gerber : on s’était garés sous un pylône électrique de quatre cent mille volts. Le studio était superbe et on nous a reçu magnifiquement. On a eu le plaisir de voir MC5 jouer trois morceaux. Le groupe était filmé pour Pop 2, l’émission de Bernard Lenoir. Ils sont arrivés à 10 heures du soir dans un combi Volkswagen. Ils ont installé leur matos rapidement. Ils ont joué et ils sont repartis. Je n’en croyais pas mes yeux, là, devant moi, en live, les MC5. C’est pas tout. Le jour où on a enregistré All’s so comic (qui a duré la journée pour la mise en place), j’ai fait l’échange de mon T-shirt d’Ergo Sum — avec le pied dans la bouche : l’affiche de notre concert au festival Ampus Pop — avec un musicien du Grateful Dead (ils devaient jouer à Auvers-sur-Oise, mais le concert avait été annulé) ; lui m’a donné un T-shirt du Dead Number One USA, à l’effigie d’une Harley Davidson (devant et derrière) ; je ne l’ai pas quitté pendant des jours.

Louis : Un concert d’Ergo Sum, c’était quoi pour toi ? À quoi devait s’attendre le public en vous voyant ?

B.B. : Le premier concert que nous avons fait, c’était en 1970, à la Pointe Rouge, à Marseille, une boîte à la mode ; plein de groupes de l’époque y jouaient, dont Titanic. On était engagés pour le week-end. On se disait que c’était super, qu’on allait faire connaître Ergo Sum chez nous, à une heure de la maison. On avait à peine commencé notre set, on en était au troisième morceau quand le patron de la boîte nous a fait signe d’arrêter et nous a dit : « Hey, les gars ! Y a personne qui danse ! Vous n’avez pas autre chose ? ». On a remballé sans perdre un instant, on était trop avant-garde pour l’endroit, on était des extra-terrestres. Un concert d’Ergo Sum, c’était comme un voyage, une histoire que l’on racontait car les chansons véhiculaient une histoire, un climat, une atmosphère, et on était heureux de la partager avec le public. All’s so comic, enregistré live, donne une bonne idée de ce qu’étaient nos concerts. En fait, c’est à un spectateur qu’il aurait fallu demander ce qu’il pensait d’Ergo Sum ! Après la Pointe Rouge, nous sommes montés à Paris pour le « tremplin » du Golf Drouot, et on a gagné ce tremplin.

Louis : Vous avez tourné avec d’autres groupes de l’écurie Thélème, as-tu quelques anecdotes ?

B.B. : En fait, on n’a pas tellement tourné ! On a fait plusieurs fois le Golf Drouot d’Henry Leproux. On a participé à quelques festivals aussi : celui de Saint-Gratien en hommage au groupe Storm (trois jours de musique non-stop) ; le festival de Malaval, dans l’Ain ; Ampus Pop, en 1971. On a aussi joué au Gibus, à Paris, parrainés et présentés par Sacha Reins du magazine Best. Et puis, il y a eu un concert à Marignan, plus deux, trois concerts pour les radios : Europe 1 (l’émission Campus, avec une interview en compagnie de Patrick Topaloff), RMC, France Inter avec José Arthur, la maison de la radio aussi... J’en oublie, mais bon, on n’en a pas fait tellement jusqu’à ce que je m’en aille en 1973. J’étais parti faire les vendanges, puis un tas de circonstances ont amené le groupe à se séparer. Deux des premiers musiciens ont continué et remonté Ergo Sum, puis ça été fini.

Louis : Aujourd’hui votre album est une pièce de collection, et votre musique est très appréciée, pourquoi, selon toi, n’avez-vous pas eu plus de succès à l’époque ?

B.B. : Que dire ? Ergo Sum était original pour cette période, mais tout autant que d’autres groupes qui mélangeaient un tas d’influences, rock, blues, jazz, etc. Il se passait, en fait, ce qui s’est passé dans les années 80 avec le rock français : il y avait un tas de groupes aussi bons que Téléphone dans chaque ville, mais le show-biz a misé sur Téléphone, et voilà. À chaque époque, c’est pareil : on prend un groupe qui représente bien le moment, on le matraque en radio et hop, on passe à la caisse !

Louis : As-tu une idée du nombre d’exemplaires pressés à l’époque ?

B.B. : 10 000, je crois. Mais on peut toujours trouver le CD chez Musea, qui l’a réédité en 1994, et il y a une nouvelle réédition USA de 2007 sur Lyon Production, remixée par Vincent Tomatore ; il y a les liens des catalogues sur le myspace d’Ergo Sum.

Louis : L’album en lui même est très riche, « toujours énergique mais jamais violent », on note des titres comme Tijuana et Mexico, est-ce un hasard ou y a-t-il un intérêt prononcé pour l’Amérique latine ?

B.B : Comme je te le disais, le chanteur adorait la musique mexicaine — d’où Mexico et Tijuana. Il avait passé une partie de son adolescence au Mexique. Il nous parlait mexicano, on habla espagnol, et aussi de Pancho Villa, un personnage très aimé au Mexique.

Louis : Que penses-tu de la scène musicale française d’aujourd’hui, y a-t-il des groupes qui t’accrochent en particulier ?

B.B. : Je ne donnerai pas de noms, mais il y en a plein et grâce à Internet et tous les sites comme Starshit, Sellaband, Rock’N’France, Zikpot, Lyberty, Tagworld, Hitmuse, Musite, SFR Jeunes Talents et Youtube, tu as le choix et il y en a vraiment pour tous les goûts. Bon, les plus récents se ressemblent un peu, mais, quelques-uns devraient émerger s’ils tiennent la longueur. J’espère bien, sinon ça sera les machines qui donneront le ton. Ça va comme ça les robots, non ? Tant qu’il y aura des groupes, il y aura de la bonne musique. Merci Louis pour ce petit retour dans le passé, pas si lointain que ça finalement.

Louis : Merci à toi, surtout, d’avoir accepté de te prêter au jeu ; je pense que ça donnera envie aux gens de découvrir ou redécouvrir le groupe et l’album.

http://psychedelisme.com/Ergo-Sum

Louis Hauguel, 2010

Interview avec Peter Daltrey ( Kaleidoscope - UK, Fairfield Parlour )

La vie ne tient parfois à pas grand-chose. À ces petits moments de bonheur s’évaporant aussi vite qu’ils vous ont étourdi, instants aussi futiles qu’illusoires. Le temps d’une intro délicatement envoutante vous enveloppant de ses cordes chaleureuses et mélancoliques, suivie d’une mélodie enchanteresse et féérique que vient boucler un refrain répétitif, magique… The Sky Children et ses 8 minutes de beauté totale, qui pourrait tourner des heures et des heures sur la platine, sans jamais en ressentir l’ennui par tant de pureté. Arrangements au panthéon de l’extase absolue, innocence retrouvée le temps de ré-atterrir fébrilement de ce voyage sonore.
The Sky Children. Morceau au combien grandiose que l’on retrouve dans le répertoire des Kaleidoscope, combo londonien mené par le talentueux et magnifique songwriter Peter Daltrey. Deux albums au compteur, qui enivre votre rédacteur à chaque écoute, splendide d’un bout à l’autre, chef d’œuvre de pop parfaite que l’on pourrait aisément ranger devant le Odissey&Oracles des Zombies, ou encore le Smile des Beach Boys, monuments d’érudition pop galvaudée par tant d’arrangements oniriques.

Quand l’occasion s’est présenté de rencontrer Peter Daltrey, autant vous dire qu’on s’est pas fait prié. Résultat grandiose tant Peter s’est prêté allègrement au jeu, revenant sur une carrière emplie de nostalgie et de souvenirs, avec la plus grande simplicité du monde. Peter Daltrey.

 
Louis Hauguel : Il y a une certaine innocence dans vos chansons, une nostalgie enfantine. Quel était votre secret pour écrire de si beaux morceaux ? On pense notamment à The Sky Children?

Peter Daltrey : Le groupe était en vacances, pendant l’été 1964. A Swanage, une ville touristique du Dorset, sur la cote Sud de l’Angleterre. À la sortie de la ville, il y avait un château Victorien, c’était une belle journée d’été, avec un ciel presque bleu, juste quelques nuages hauts dans le ciel.  Nous avons cherché le château un moment, et finalement trouvé un chemin menant à la mer. En bas était une plage de cailloux, de gros rochers s’étant détachés des falaises. La mer s’écrasait sur le rivage, le bruit était assourdissant, mais merveilleux. La nature brute. Swanage, au loin, scintillait dans la brume. Nous avons donc décidé de retourner en ville, en suivant la plage. C’était difficile, les rochers avaient la taille d’une voiture, il était maintenant midi, et le soleil tapait dur. À notre droite, l’océan grondait. Tous les quatre avons été séparé, et je me suis retrouvé dernier. Pour une raison inconnue, une ligne m’est venue, « Un million de fleurs blanches dans un champ céleste ». Ed (Pumer, le guitariste) et moi écrivions toujours selon la même formule : moi les paroles, lui la musique. Écrire une chanson n’est rien moins que de s’inspirer de l’air du temps, et de la transformer en mots. Et l’inspiration, par définition, ne se produit pas à la demande. Sa blague favorite est de s’insinuer dans vos pensées, juste au moment où vous allez vous endormir. Un mot et une ligne vont se former dans votre esprit, navigant dans votre conscience, alors que vous allez sombrer. Mais attention, si vous les ignorées elles vont simplement disparaître, au matin elles seront parties.
Donc, vous revenez du pays des rêves, attrapez un stylo et un papier, griffonné, et retournez vous écrouler. Le soleil se lève, les yeux sont bouffis, la vessie pleine, la bouche en feu, les oreilles bourdonnent. Vous lorgnez sur le papier, en général c’est merdique, parfois inspiré. Dans ce cas, je marchais le long d’une plage, sans papier et sans stylo. Une autre phrase m’est venue, puis encore une. Là j’étais mal. J’avais deux options, refuser de laisser fonctionner mon cerveau, sachant bien comment ce serait dur de retrouver mes mots. Ou accepter les mots qui émergeaient, comme d’une éponge, et tenter de les mémoriser. Après tout, toutes les chansons comportent d’un à trois couplets, et un refrain. J’ignorais que j’étais en train d’écrire une de nos plus longues chansons. Encore plus de mots, je les assemblais, le rythme se formait, une histoire commençait à émerger. Je devais tout reprendre du début, assemblant les couplets dans ma tête. En essayant désespérément de garder le tout dans le bon ordre. Dan (Brigdman, le batteur) était juste devant moi. Il s’est arrêté, m’a demandé si j’allais bien. J’ai répondu que j’écrivais une chanson, il a secoué la tête, apparemment décidé à me laisser tranquille. Il y avait tant de lignes, que je m’y perdais, tout se mélangeait. Il faisait chaud, j’étais en sueur. Quand nous sommes arrivés en ville, je me suis précipité pour transcrire ce dont je me souvenais.
De retour à Londres, les paroles ont été affinées et finalisées. Ed est venu avec une mélodie très simple, qui capturait parfaitement l’esprit. Le conte de fées d’un groupe d’enfants, en quête de magie. C’est facile de se moquer aujourd’hui. Avec nos oreilles modernes, voire usées, tout ceci semble idiot. Mais il faut replacer dans le contexte, revenir à 1967. J’étais influencé par Donovan, sur des chansons comme ça. Les gens disent que j’avais trop lu Tolkien, alors que j’ignorais même qui il était. Mais j’absorbais tout ce que j’entendais autour de moi. Je ne me souviens pas de l’enregistrement de Sky Childern, mais je le soupçonne de venir d’une session tardive, dans les studios Phillips, à Marble Arch. Avec les lumières éteintes, juste une ou deux bougies sur un ampli. Vraiment magique.

 
  Louis : Faintly Blowing semblait plus diversifiée, alternant les moments de calme et de violence. Quelle a été votre approche au niveau de la production ?
 
Peter : Ed et moi n’avons jamais cessé d’écrire des chansons. On en avait toujours plus que nécessaire. Certains groupes sont obligés de faire un album, et composent en studio. Alors que nous arrivions avec notre stock de chansons. Sachant parfaitement ce que nous voulions, ayant déjà présenté nos morceaux au producteur (Dick Leachy) et reçu son aval enthousiaste. Tangerine Dream a été écrit principalement en 1965/66. Bien qu’à cette époque nous ayons été ensemble depuis deux ans, nous étions toujours novices. On apprenait notre métier. En 1967/68,  la confiance était là, ainsi qu’une structure pour notre musique. Dans la mesure où nous étions sous contrat avec une maison de disques, qui était convaincue que nous étions les prochains Beatles. Sérieusement, c’est que nous disaient les gens de Phillips. 
La période psychédélique a été très courte. Une fusée multicolore, tirée dans le ciel en 1966, nous étourdissant tous par sa brillance. Qui est doucement retombée sur terre en 1968. Les braises ayant continué à brûler jusqu’à la fin de cette année là. Pour notre genre musical, on était certainement au bon endroit au bon moment. Londres vibrait de bons plans. Nous étions jeunes, naïfs, confiants dans nos possibilités, impossibles à stopper. Début 1968, notre écriture était beaucoup plus adulte. Mais toujours dans le style psyché, fidèle à nos racines. Je me souviens de Sunny Side Circus à ce moment là. Mais nous étions insatisfaits du résultat, et le titre a dû attendre From Home To Home pour apparaître. Un peu décalé, sur le dernier album.
Avec un budget conséquent, notre son avait été augmenté d’un orchestre. Ce qui avait certainement élargi une approche plus mature. Je n’écoute plus nos disques (plus beaucoup de musique en fait, puisque j’ai fait cadeau de mon ouïe au groupe), mais sur nos deux albums, c’est le morceau Faintly Blowing qui porte la couronne.
Ma mémoire est pleine de trous, donc peut de détails restent. Mais je me souviens que nous avions fait un effort commun, pour que les morceaux soient le plus excentriques possible. Notre producteur nous poussait, lui qui voulait se faire un nom. Quand la base a été enregistrée, on a ajouté une partie vocale. Ensuite, on a embelli le tout avec divers bruits. La semaine d’après, nous avons été conviés au studio pour écouter le premier mixage. La production avait adouci le tout avec du phasing, au lieu de garder l’effet pour la fin. Mais nous avons été convaincus que c’était le bon son pour la chanson. Jeunes et tenus dans une crainte respectueuse par notre maison de disques, nous avons décidé de laisser filer. Aujourd’hui, je reçois régulièrement des mails de fans, jeunes et vieux, qui vantent les charmes de Music. C’est une question de goût, je crois.
 
 
Louis : Kaleidoscope a sorti un single intitulé Isle Of Wight Festival Theme en 1970, sous le nom de I Luv Whight. Vous avez joué le vendredi 28, en tant que Fairfield Parlour, et il semble que vous ayez été informé (par lettre anonyme) que le premier groupe qui passerait, se ferait tirer dessus.
 
Peter : En Mai/Juin 1970, notre manager avait beaucoup discuté avec les frères Foulk, organisateurs du festival. Un joli coup pour lui. Non seulement, le groupe avait une place sur l’affiche, mais les deux filous étaient d’accord pour que nous écrivions et enregistrions une chanson. Laquelle sortirait sous la bannière The Official Isle Of Wight Festival Song 1970.  Encore mieux, il était convenu que le morceau passe entre chaque concert. Cette publicité massive, avec les passages radios, servirait au moins à donner au groupe le hit qu’il attendait depuis si longtemps. Les représentants légaux ont rédigé un contrat, qui a été signé par les deux parties.  Le jeudi, nous étions assis dans la salle de télé du Shanklin Clarendon Hotel. On prenait des trucs durs : de gros pots de thé, couleur créosote. Dave (Symonds, le manager)  a suggéré que nous regardions les informations, pour voir si on y parlait du festival. Deuxième titre : « L’IRA a annoncé que, pour protester contre la présence anglaise en Irlande, elle tirerait sur le premier groupe du festival de Wight, demain ».
Qui est le premier groupe ? Avons-nous demandé à notre manager.
Vous.
Le vendredi, on traînait en attendant de jouer. Tous nerveux. C’était un concert majeur pour nous. Nous nous sommes retrouvés devant un quart de million de personnes. Dan a tapé sur un tom, Steve (Clark) a tiré sur une corde de basse, Ed se raccordait. Je me suis approché du micro, le cœur battant. Les accords familiers de Eyewitness, j’ai ouvert ma bouche, sèche comme un os. We Know You Have Seen A Lot Of Things, c’était approprié. Le son était curieusement bas, alors qu’on s’attendait à être assourdi par les murs d’amplis. Ces bâtards avaient seulement tourné le bouton de volume à cinq. Et maintenant Aries, cet hymne nostalgique à la jeunesse. Mais le son disparaît dans l’espace ouvert, vers la colline. Vous pouviez presque le voir s’évaporer dans l’air. Applaudissement chaleureux, mais attendez, l’IRA…….S’ils descendent quelqu'un, ce sera le chanteur, au centre de la scène, les bras ouverts, la cible parfaite.  Pendant un moment, j’ai pensé à repérer le flingue, mais suis instantanément revenu à la réalité. Pas le moment de penser à ma mort. Je pouvais le faire plus tard, dans un bain de sang, en coulisse. Ma vie se mêlant à l’herbe piétinée, comme de la neige rouge. Ma bouche formant un dernier mot, « Bâtards ».  Après un concert trop court, nous avons quitté la scène, content d’être encore vivant.  En fait, c’était un pétard mouillé, juste pour faire de la pub à leur cause aveugle.
 
Louis : Vous faites toujours de la musique aujourd’hui, et avez sorti de nombreux albums. Étés vous ouvert à de nouvelles influences ? Ou êtes-vous nostalgiques des années 60/70 ?
 
Peter : Quand le groupe s’est séparé, j’ai quitté Londres, pour les vertes collines du Wilshire. Après deux décennies de silence, l’urgence créative est revenue, un besoin d’écrire. Je me suis mis à composer et à enregistrer mes propres chansons. Aujourd’hui, j’ai sorti quatorze albums en un DVD. Je vends mes disques sur mes deux sites : www.chelsearecords.co.uk (véritable mine de renseignements) et www.myspace.com/peterdaltrey. Il y a eu de bons retours des fans. Ils me disent que ma voix est restée la même, et qu’ils aiment ce que je fais. Dans la mesure où je suis la trace de Kaleidoscope et Fairfield Parlour. C’est inévitable, je ne peux pas (et ne veux pas) échapper à mes racines.  La nostalgie donne un sentiment de mélancolie chaleureuse. Mais c’est essentiellement auto indulgent et vain. Je préfère vivre dans le présent. Être concerné par ma prochaine chanson, que par celles qui ont quarante ans. Ce qui n’est pas pour dénigrer notre travail passé. J’en suis fier, et toujours ému que les jeunes générations découvrent et aiment nos disques. Je me sens immortel, ce à quoi tout le monde aspire.
Mes années avec le groupe étaient frustrantes. Parce que nous avons vu le succès nous échapper.  Ce qui n’était pas notre faute. Notre maison de disques était inutile, incapable de fournir nos disques aux fans qui les voulaient. Et le manque d’un manager, quand nous étions Kaleidoscope, nous a sérieusement handicapé dans nos contacts avec les dirigeants de notre compagnie.  Nous avons eu trois hits (Jenny Artichoke, Bordeaux Rose, Let The World Wash In), mais sans réel succès. Les deux premiers, gros carton sur les électrophones, ont échoué dans les charts, à cause de l’inefficacité,  de la maison de disques. Le troisième parce que les frères Foulk ont renégocié notre contrat, pour promouvoir le single pendant le festival. Donc, j’ai des souvenirs, mais ne m’y penche pas.
 
Louis : Avez-vous des histoires de concerts à raconter ?
 
Peter : Nous en avons fait tant que tout s’est fondu en un seul morceau dans ma mémoire.

 
Louis : À quoi pouvait-on s’attendre en venant à un concert de Kaleidoscope ?
 
Peter : Nous avions plusieurs personnalités. Pour nos premiers concerts, vous vous seriez sûrement retrouvé dans un club de jeunesse malodorant, ou une salle paroissiale poussiéreuse. Quelques gamins embarrassés, autorisés à leur première sortie par des parents autoritaires, se bousculant, agrippant nerveusement leur verre de limonade. Le groupe, quatre jeunots maladroits, The Sidekicks. Nous jouions les premières chansons des Rolling Stones et des Beatles, des blues de Mose Allison ou Muddy Waters. Le son n’était pas excellent, car nous avions seulement quelques amplis bon marché. Le chanteur était rivé au projecteur, agrippant son micro, tentant désespérément de se souvenir des paroles. Après à peu près une heure, le groupe était à court de chansons, et devait commencer à répéter son set. Mais presque personne ne remarquait rien, ils étaient occupés avec les jeux de la puberté. 
 
Si vous aviez vu The Key, ça aurait été dans l’arrière salle obscure d’un pub. Le groupe sur le sol, dans un coin. Ou dans un collège. Dans le pub, vous auriez été entouré de rockers graisseux, cherchant la castagne ou de quoi se défouler, plutôt qu’écoutant. Une épaisse puanteur de bière et de sueur, et un air d’anticipation. Pas du groupe, mais de la putain de baston. Dans un collège, la salle aurait été plus large, et le groupe sur une scène. Un public jeune, intense, avec des verres de cidre ou de bière.  Il y avait des projecteurs et peut être quelques jeux de lumière. On jouait toujours nos reprises de blues, mais on avait incorporé plusieurs chansons à nous. Vêtus de chemises bouffantes, et de Beatles boots Anello and Daniel. Une fille en mini-jupe était assise sur scène. Entre chaque morceau, elle lisait une ou deux lignes de poésie. À la fin de la dernière chanson (une pièce de résistance épique, oubliée depuis longtemps, nommée Face), le groupe emmenait le chanteur qui venait de s’évanouir. Du sang coulant de sa bouche. À l’université de Brune, où ceci s’est déroulé, vous auriez pu voir le public devenir sauvage. Et les organisateurs nous ficher dehors, pour avoir enfreint les bonnes mœurs. Ils semblaient peu apprécier notre mise en scène ampoulée. Et les capsules de sang, achetées dans un magasin de farces et attrapes, sur la route.
 
Un concert de Kaleidoscope se déroulait dans une université, ou un club. En compagnie de gens vêtus tout en couleurs. Le groupe superbement équipé de matériel tout neuf. La sono de meilleure qualité, on jouait fort. Le répertoire était entièrement original (Dive Into Yesterday, Snapdragon, Love Song For Annie, Music). Cette dernière chanson était le final, une cacophonie. Qui, en général, en faisait demander plus au public. Pas de sang cette fois, mais de la vraie sueur.
 
Un gig de Fairfield Parlour se déroulait toujours dans une université. Le public habillé plus sobrement. Vêtement sombre et grands chapeaux. Toute la soirée avait un air beaucoup plus mature, avec nombre de morceaux acoustiques. Steve jouait de la flûte sur Eyewitness, et moi du clavicorde sur Soldiers Of The Flesh. Vous auriez pu nous voir au Mothers de Birmingham, juste au-dessus de chez le tailleur Burton. L’endroit méritait un effort. On a joué là-bas plusieurs fois, toujours chaleureusement accueilli. C’est dans cet endroit que Dan s’est démoli, en se coinçant un nerf de la colonne vertébrale, après un concert particulièrement énergique. On pensait qu’il allait mourir sous nos yeux. Il a passé des semaines à l’hôpital, survécu, et nous a rejoint, en vrai grognard. Mais il porte toujours les séquelles de cette nuit là.

 
Louis : Contrairement aux USA, le psychédélisme anglais semblait avoir des difficultés à s’adapter à son environnement. Quelles sont pour vous les différences entre les deux ?
 
Peter : Les deux sont bien distincts. La version US a été fortement influencée par l’émergence de la drogue culture. Particulièrement à San Francisco. La musique, bien que retenant les éléments essentiels (guitare bruyante, bizarrerie contrôlée, paroles obscures) était en général plus lourde. En Angleterre, c’était plus aérien. Et certains diraient avec des textes plus compréhensibles. Nous étions influencés par les contes de fées, le côté gentil de la vie. Qui va probablement vous ramener à votre enfance. La drogue était présente (pas dans notre cas, du moins), mais de façon plus subtile. Je pense pouvoir dire que c’est cette version que je préfère. Le mouvement psychédélique a été très bref, un phénomène musical qui a défini sa propre époque. Partie d’une ère brève, fleurissant sans raison apparente. Semblant offrir un doux chemin coloré vers le futur. Mais se consumant dans les excès, sur la fin.  Donnant naissance à la soi-disant musique progressive. On a suivi le mouvement, et secoué nos fringues de hippies, pour devenir Fairfield Parlour.

 
Louis : Que pensez-vous du téléchargement ? Tangerine Dream a été réédité plusieurs fois, vous à t’on demandé votre avis ? Avez-vous eu un retour financier ?
 
Peter : Un point qui fait très mal. Comme quatre jeunes naïfs, nous étions (et tant d’autres avant nous, y compris les Beatles)  manipulés par une multinationale. Je doute que nous ayons même lu le contrat, avant de le signer. J’en veux toujours à Dick Leahy, notre producteur, de ne pas nous avoir incité à prendre un manager. Il nous aurait représenté, et discuté avec la maison de disques. Un manager à poigne aurait insisté pour un meilleur taux de royalties, une meilleure distribution et promotion, du soutien. Alors que nous étions piétinés par une boite incompétente, avec toujours un pied dans les années cinquante. Ils ne connaissaient rien au psychédélisme, et avaient de plus gros chats à fouetter. Comme Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick and Tich. Bien que notre manager de l’époque Fairfield Parlour ait fait des erreurs, il nous avait au moins assuré un meilleur contrat avec le nouveau label, Vertigo. Le disque a été enregistré, et on a loué les bandes pour cinq ans. Après cette période, tous les droits revenaient au groupe. On profite donc d’un revenu correct, en licenciant Fairfield Parlour et White Faced Lady (album resté inédit).  Pour répondre à votre question, oui nous touchons des royalties pour Kaleidoscope. Mais vu le taux de retour criminellement bas, qui se maintient depuis quarante-deux ans, ça nous fait de l’argent de poche. Amer moi ? Tu parles. J’ai travaillé avec Universal sur la compilation Dive Into Yesterday, mais là encore ils ont lésiné. Le livret était supposé être en couleur, ce qu’ils ont changé en monochrome, à la dernière minute. Pour économiser trois ronds. Les pauvres gens. Télécharger ? Pas mon truc. On touche des haricots là-dessus. À moins d’avoir des centaines de milliers de gens téléchargeant votre musique, vous ne gagnerez jamais un sou comme ça. Je préfère vendre mes disques sur mon site, Les fans savent que s’ils m’achètent un CD, le profit sera investi dans la musique. Pas dans lesgriffes d’un représentant de maisons disques, ou d’un actionnaire, sourd comme des pots.
 
Louis : Que pensez-vous des groupes actuels ? Des favoris ?
 
Peter : Je n’écoute pas de musique. Pour ne pas m’abîmer davantage les oreilles. Les mecs dans les groupes, lisez ceci : protéger vos oreilles, portez des filtres anti bruit, sauvez votre ouïe. Où vous finirez comme moi. Le mot anglais que j’utilise le plus est « pardon ».
 
Louis : Vous a-t-on déjà pris pour Roger Daltrey ?
 
Peter : Beaucoup de gens font l’erreur de m’appeler Roger. Mes parents avaient réservé dans un restaurant, et ils avaient bien mangé. Le serveur leur a demandé si le personnel pouvait les rencontrer. Ils ont accepté, en trouvant ça extrêmement bizarre, mais ont accepté. Les serveurs et les cuisiniers ont débarqué, bouché bée devant mes parents stupéfaits. Le chef a alors demandé si Roger pouvait leur rendre une visite. L’addition avait baissé, mais mes parents n’ont rien dit. Je crois qu’ils voulaient surtout manger à l’œil.
 
Louis Hauguel pour Fuzzine, avec la collaboration de Lou et traduction de Laurent. (2010)